Ordet

Sinopsis:

Hacia 1930, en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental, el viejo Morten Borgen dirige la granja de Borgensgaard. Tiene tres hijos: Mikkel, Johannes y Anders. El primero está casado con Inger y tiene dos hijas pequeñas, aunque en estos momentos Inger está embarazada y esperan el tercero. Johannnes es un antiguo estudiante de Teología que, por haberse imbuido de las ideas de Kierkegaard e identificarse con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio. (FILMAFFINITY) 

De la Película y el director:

La palabra (Ordet) nos presenta una familia que vive en medio de un bosque en Jutlandia Occidental (Dinamarca), en torno a 1930. Los Borgen tienen tres hijos. El primero, Mikkel está en medio de una crisis espiritual, cuando su esposa, Inger, queda embarazada. El segundo, Anders, se ha enamorado de Anne, la hija de un sastre llamado Petersen, que está enfrentando a los Borgen por cuestiones religiosas. El tercero, Johannes, atraviesa la escena como una sombra, con gran solemnidad de movimientos y una mirada perdida. Es un estudiante de teología que ha enloquecido, leyendo a Kierkegaard y ahora se cree Jesucristo. 

Como sucede con las obras maestras Ordet es una película de una extraordinaria belleza formal, en ella la base y la forma son del todo fuerte. Dreyer renueva el lenguaje cinematográfico, buscando conseguir adaptar la historia que tiene y lo que se desprende de ella con la forma audiovisual, con las herramientas estrictas del cine. El propio Dreyer sentenciaba que existe una estrecha semejanza entre una obra de arte y un ser humano, una y otro tienen alma, que se manifiesta a través del estilo, el creador fusiona los diversos elementos de su obra y obliga al público a ver el tema con sus propios ojos.

Dreyer crea una verdader obra maestra, sin duda una de las pelícual de la Historia del Cine, logrando una mixtura perfecta ente el contenido y la forma, como una perfecta fotografía, una puesta en escena poco vista en el cine, una puesta en cuadro que nos lleva a preciar la mirada profunda dle cine, Dreyer logra la cima del cine, difícil de volver a igual.

 

<<"El artista debe describir la vida interior, no la exterior. La facultad de extraer es esencial a toda creación artística. La abstracción permite al realizador franquear los obstáculos que el naturalismo le impone. Permite a sus films ser no solamente visuales, sino espirituales">>  Carl Dreyer.

Ficha Técnica.

Título Original: Ordet

Año: 1955

Duración: 125 min.

País: Dinamarca

Director: Carl Theodor Dreyer

Guión: Carl Theodor Dreyer (Obra: Kaj Munk)

Música: Paul Schierbeck

Fotografía: Henning Bendsten (B&W)

Reparto: Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Preben Lerdorff Rye, Cay Kristiansen, Brigitte Federspiel, Ann Elizabeth, Ejner Federspiel, Sylvia Eckhausen

Productora: Palladium Films

Premios: Venecia: León de oro - mejor película 1955

Género: Drama | Religión.

Le Havre

Sinopsis:

Marcel Marx, un escritor bohemio, vive exiliado voluntariamente en la ciudad portuaria de Le Havre. Su día a día transcurre entre su trabajo como limpiabotas en las calles, el bar de la esquina y su hogar, donde lleva una vida sencilla pero feliz junto a su esposa Arletty. La fortuna hará que se tope con un niño africano que ha escapado del contenedor en el que ha llegado con su familia justo cuando la policía irrumpe para capturarlos. La apacible vida de Marcel dará un giro por completo cuando decida ayudar al pobre inmigrante, enfrentándose a un inspector de policía que le hará la vida imposible. En su lucha contará con la inestimable ayuda de sus vecinos.

Del Director y la Película:

Aki Kaurimäki nos vuelve a sorprender con su brillante capacidad para relatar situaciones cotidianas, sencillas de manera magistral como también de situación compleja y extrañas puede relatar de una manera sencilla y extraordinaria y sin duda que mejor lugar que Francia para explotar tan bella sencillez, una Vez Más Aki utiliza ese locuaz humor irónico, así como lo hizo en Leningrad Cowboys go America, sin duda guardando la distancias pero cada film de este brillante director son pincelazos de aquella comedia que tanto lo caracteriza, sin tapujos, transparente, simples que solo dejan ver un trabajo de guión libre y no estructurado, aunque lo pareciera.

El trabajo técnico que propone Kaurimäki deja cierta inquietud especialmente en el trabajo fotográfico que realiza, con una iluminación dura y contrastada, lo vemos en sus numerosos film, pero creo que la respuesta esta en su visión respecto a la realidad y el cine, al contrario de que se le pueda criticar una puesta en escena falsa al contrario es de lo mas realista, seguramente quien critique debe tener lleno sus ojos, con noches americanas, luz de rellenos, falsos soles, iluminación pareja si solo nos pusiéramos a detener nuestra mirada en lo que nos rodea veríamos aquellos contraste de la luz, nuestros ojos llenos de sombras duras, sin detalles y fondos falsos, que paradoja creo que nos cuesta mirar nuestra propia realidad, no cueste y molesta reconocer como somos, bueno seguramente esto es porque en el cine se no hablas de falsos personajes e historia tan sola para satisfacer lo que nunca podremos ser, bien Kaurimäki por tu honestidad.

Ficha Técnica:

Título original: Le Havre
Año: 2011
País: Finlandia, Francia, Noruega.
Dirección: Aki Kaurismäki
Guión: Aki Kaurismäki
Intérpretes: André Wilms, Blondin Miguel y Jean-Pierre Darroussin
Fotografía: Timo Salminen
Montaje: Timo Linnasalo.

Fuentes: http://www.filmaffinity.com/es/film707306.html

                      http://www.janusfilms.com/lehavre/publicity.html

Encuentros con Hombres Notables

Sinopsis.

Basado en las memorias de Gurdjieff, el famoso pensador y líder espiritual, este filme cuenta su vida desde su temprana adolescencia hasta la etapa en que pareció descubrir una nueva manera de conectar al hombre con una parte perdida de su esencia. Lo que hay en el medio es una historia muy viajada, donde el protagonista se encuentra con distintos personajes que van alterando su visión de mundo. 

Del director y la película:

En este films vemos la biografía de G.I. Gurdjieff a través de sus viajes y el descubrimiento de la música espiritual, que realizo en los años 20, y del transito de la transcendencia hacia lo místico y es por eso que este este personaje relevante en la historia de lo mágico se vuelve cautivante, en principios por sus propios escrito que lo han llevado hacer un hombre relevante en la historia y luego con esta película que busca ser testimonial y biográfica de este personaje, sin duda el film no hace referencias completa a Gurdjieff, pero en su hora y cuarenta minutos deja de manifiesto aquellos descubrimientos espirituales que realiza Gurdjieff y de como este joven se nutre y va siendo cambiada su forma de pensar, sin duda una película que queda enmarcada como una obra maestra, no por su narrativa, ni técnica, mas bien por la trascendencia de la misma, y Peter Brook el director de la película busco plasmar en un lenguaje distinto y trascendente, que escapa a todo convencionalismo en el cine que transita en campos de un relato sencillo pero con una transcendencia fuera de logica común.

TÍTULO ORIGINAL: Meetings with Remarkable Men

AÑO: 1979

DURACIÓN:108 min.

PAÍS : Gran Bretaña

DIRECTOR: Peter Brook

GUIÓN: Peter Brook, G.I. Gurdjieff, Jeanne Salzmann

MÚSICA: Laurence Rosenthal

FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor

REPARTO: Grégoire Aslan, Mikica Dimitrijevic, Martin Benson, Colin Blakely, Constantine Gregory, Tom Fleming, Athol Fugard, Marius Goring

PRODUCTORA: Remar

PREMIOS 1979: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

GÉNERO Drama | Biográfico

La Vida me Mata

Sinopsis:

Gaspar, un joven depresivo, no ha podido superar la temprana muerte de su hermano, hasta que siente que éste se ha reencarnado en Álvaro, un joven que acaba de conocer. Álvaro, un excéntrico obsesionado con la muerte, aprovecha la influencia que ha ganado en Gaspar para guiarlo en una serie de experiencias relacionadas con la muerte. En este juego peligroso, Gaspar descubrirá una razón para vivir y Álvaro encontrará la muerte.

de la película y el director:

finalizamos esta semana con esta extraña y exótica película chilena, la verdad una sorpresa cinematográfica, es difícil encontrar film con esta propuesta tan ecléctica y extraña, a la vez interesante y envolvente, con un joven que tras la muerte de su hermano piensa o mas bien viví una relación de amistad con un personaje el cual pareciera ser la reencarnación de su hermano muerto, al cual conoce por medio de un cortometraje llamado " La vida me mata" una obra audiovisual un tanto académica, casi un proyecto de escuela pero que integra un todo dentro del film, de un humor difícil, amargo y oscuro, con episodio de sonrisas chilenas como sonrisas que cuestan una o dos reflexiones. y la película rebosa en méritos más bien en el aspecto de la forma  y como esa forma proyecta el contenido, el excelente montaje, muy pulcro y muy en el temo del relato, una impresionante fotografía y una muy buena dirección de arte hacen de esta opera prima un descubrimiento dentro de la fauna del cine, aunque tiene ciertas debilidades en el propio contenido de lo narrado, pero que no impide apreciar y reflexionar ante lo que nos propone Silva.

TÍTULO ORIGINAL: La vida me mata
AÑO 2007
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS : Chile
DIRECTOR: Sebastián Silva
GUIÓN: Sebastián Silva, Pedro Peirano
MÚSICA: Pedro Subercaseaux, Andrés Subercaseaux, Jorge del Campo
FOTOGRAFÍA Sergio Armstrong
REPARTO: Gabriel Díaz, Diego Muñoz, Bélgica Castro, Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Amparo Noguera, Alejandro Sieveking, Ramón Llao
PRODUCTORA: Fábula
GÉNERO: Drama

Fuentes: lavidamemata - FILMAFFINITY

Tiempos Modernos

Sinopsis:

Extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje, un obrero metalúrgico acaba perdiendo la razón. Después de recuperarse en un hospital, sale y es encarcelado por participar en una manifestación en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, gracias a lo cual queda en libertad. Una vez fuera, reemprende la lucha por la supervivencia en compañía de una joven huérfana a la que conoce en la calle. (FILMAFFINITY) 

De la película y su director:

Tiempo modernos es una obra maestra por donde se le mire, ver principalmente la propuesta dramática de esta comedia, nos deja que pensar el compromiso social que ya se tenia en aquella época, dejando en evidencia la critica al sistema laboral reinante y prueba de ello es el manejo magistral de la actuación por parte de Chaplin, quien logra con el silencio y la expresión corporal adentrarnos a un mundo de humor y drama, donde deja en el consciente del espectador de manera sutil e ingenua (para algunos) los abusos que se cometían en aquellos tiempos, las cuales perfectamente podrían ser nuestros tiempos y debe pensar que este film es el preludio de nuestra época y para ello es necesario remontarnos al contexto de la película, justamente la depresión de los años treinta que se vivió en Estados Unidos y el mundo, el cual es el motivo del film. 

La posguerra inició un periodo de expansión económica generalizada, que disminuyó la producción y se produjo un gran incremento de huelgas y protestas, sin lugar a duda había descontento generalizado en la población; pero la economía logro recuperarse y así comenzó una sorprenderte industrialización del sistema, reflejando el modernismo y el capitalismo como ejes centrales. Y esto es precisamente lo que crítica sarcásticamente Chaplin en esta película, que las personas comenzaron a ser esclavos de las maquinas, las cuales de alguna manera dictaban los que debían hacer los trabajadores con las leyes y los horario. 

El movimiento de los trabajadores se mantenía con poca fuerza y los sindicatos luchaban esencialmente por la obtención de ventajas salariales. Debido a tanta presión y al alto grado de industrialización, la mayoría de obreros acabaron por perder su persona, su esencias de humano, llegaron a ser como pequeñas maquinas programada. por primera vez se ve una automatización de procesos productivos en el cine. 

Tiempos modernos es una denuncia violenta y cómica de la consolidación e industrialización de una de las más grandes potencias del mundo como lo es U.S.A, y Chaplin termina realizando un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la gran depresión, condiciones promovidas, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. Toda una parodia del capitalismo.

TÍTULO ORIGINAL: Modern Times
AÑO: 1936
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: U.S.A
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Charles Chaplin
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
REPARTO Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia
PRODUCTORA: United Artists
GÉNERO: Comedia - comedia dramática.

Leningrad Cowboys Go América

Sinopsis:

Los Leningrag Cowboys, un grupo de músicos finlandeses que junto a su mánager, viajan a América buscando fama y fortuna. pero las tierras del Tio Sam les cierra las puertas, por eso cruzan el país intentando llegar a una boda en México donde les esperan su consagración.

De la Película.

Los Leningrad Cowboys, guiados por el ambicioso manager Vladimir. es un grupo de rock, bastante influenciado por las canciones populares rusas, es desmoralizado por un empresario local que los tilda de malos, por lo cual le recomienda que se vayan a América. Por si fuera poco, el bajista se congela ensayando al aire libre durante la noche.

Animados por su característico aspecto, con zapatos y peinados en punta, los Leningrad Cowboys prueban sus suerte en los Estados Unidos, llevando con ellos un ataúd con el cuerpo congelado de la bajista, que Vladimir (el manager) también utiliza para mantener frías las latas de cerveza. paralelamente a esto Igor, un ex miembro de la banda trata de ganar la aceptación del grupo, pero no le aceptan por la caída del cabello, por ello no puede tener un mechón, acorde a los parámetros del grupo.

Tras ser expulsados del CBGB por un agente de Nueva York, el grupo trata de asimilar los tipos de la música estadouniense, del rock al country, y del jazz al rhythm and blues. para poder ingresar al mundo de la música consiguiendo malos resultados, por ellos terminan realizando un viaje a México para tocar en una boda, realizan un viaje a través de los Estados Unidos, en un auto grande y destartalado, en el cual viajan, seguido a una distancia prudente por Igor, y hacen paradas en habitaciones de hoteles miserables. Cuando el grupo descubre que Vladimir los está explotando, manteniéndolos en una triste situación pero reservándose para sí la comida y la cerveza, intenta un motín que es de inmediato controlado.

Una vez en México llega el éxito. Los Leningrad Cowboys satisfacen los gustos del público, lo cual los lleva a la cima de las listas de éxitos. Por su parte, la calidez del lugar se descongela el bajista.

Del Director:

Aki Kaurismäki es un reconocido director finlandes, el cual en toda su filmográfia vemos esta propuesta de humor seco y sórdido, donde se puede contar historias trágicas y dramas profundos pero siempre con un humor negro y oculto, sin duda este film logra mostar ese gusto del director por la música y sobre todo por su gusto por la banda Leningrad Cowboys, que dicho sea de paso es un grupo musica que existe y tiene temas propios, como tambie realiza innumerables cover en todos los estilo como Led Zeppelin, Los Beatles o Tom Jones o canciones tradicionales rusas o algunas propias como "Space Tractor".

Sin duda estamos frente a una comedia musical absurda y si no se tiene aquel humor negro y un poco rebuscado difícilmente disfrutaremos de una obra maestra.

TÍTULO ORIGINAL: Leningrad Cowboys Go America
AÑO: 1989
DURACIÓN: 79 min.
PAÍS: Finlandia
DIRECTOR: Aki Kaurismäki
GUIÓN: Aki Kaurismäki (Argumento: Aki Kaurismäki, Sakke Järvenpää, Mato Valtonen)
MÚSICA: Mauri Sumen
FOTOGRAFÍA: Timo Salminen
REPARTO: Matti Pellonpää, Leningrad Cowboys, Sakke Järvenpää, Heikki Keskinen, Pimme Korhonen, Jim Jarmusch, Nicky Tesco, Kari Väänänen, Sakari Kuosmanen, Puka Oinonen, Silu Seppälä
PRODUCTORA Coproducción Finlandia-Suecia; Villealfa Filmproductions / The Swedish Film Institute / Finnkino
GÉNERO: Comedia musical

Fuentes:

http://corneasaladecine.blogspot.com/2009/11/leningrad-cowboys-go-america-18-de.html 

http://es.wikipedia.org/wiki/Leningrad_Cowboys_Go_America 

El Baño del PAPA

Sinopsis:

Es el año 1988 y el Papa Juan Pablo II va a visitar Melo, una pobre comunidad fronteriza de Uruguay. El Pontífice empezará su gira por Latinoamérica en esta pequeña ciudad en la que se espera a más de 50.000 visitantes. Los más modestos están convencidos de que esta visita será milagrosa para el alma y los bolsillos; mucho creen que vendiéndole comida y bebida a esa multitud se harán casi ricos. Pero Beto tiene una idea mejor: construirá unos baños delante de su casa y cobrará por su uso. 

Argumento.

Los habitantes de Melo, pobres en su mayoría, saben lo que significa: 50.000 peregrinos desean comer, beber, comprar recuerdos, medallas conmemorativas. por eso llenos de entusiasmo, más que la bendición divina, esperan conseguir una pequeña parte de felicidad material. 

Beto, decide pone en el frontis de su hogar unos baños donde miles de peregrinos podrán aliviarse. y según cree se hará rico con los residuos humanos, ya que piensa que si todos comen y beben necesitarán un lugar para depositar todo aquello. Pero antes de poder construir el retrete, Beto se mete en un lío. Llega casi a agotar la paciencia de su estoica y siempre optimista esposa. 

Carmen y decepciona a Silvia, su hija adolescente, que sueña con trabajar en los medios de comunicación. Debe incrementar sus arriesgados y duros viajes al otro lado de la frontera. Deja de lado su gran sueño: comprarse un ciclomotor. Incluso pierde su bien más querido, su bicicleta, con tal de hacerse con la clave de su templo de residuos y riqueza: la taza del water. 

Del los directores y el films:

Enrique Fernández y del director de fotografía y realizador César Charlone, conocido este último principalmente por sus trabajos con Fernando Meirelles y su nominación al Oscar por mejor fotografía en Ciudad de Dios y su destacado trabajo en "El jardinero fiel" no hacen más que hablar del destacado trabajo de estos realizadores y de su original propuesta logran crear una historia conmovedora y llena de humor, acerca de la dignidad humana y la solidaridad, y en función de eso las actuaciones y la fotografías juegan un rol fundamental en la construcción del film, aunque es notorio la precariedad en presupuesto pero es aquello lo que le da un valor a la pelicula como un film de epoca que muestra una situación que vivio uruguay y de su pobreza, película humilde que habla sobre la precariedad y lo que la gente es capaz de hacer para salir de ella. Aunque sea un duro drama está empapada de situaciones cómicas que refrescan al espectador, de esta manera no nos aburrimos y nos hace cómplices de las penurias y alegrías de los personajes.

TÍTULO ORIGINAL: El baño del Papa AÑO:2007 DURACIÓN:90 min. PAÍS: Uruguay DIRECTOR: César Charlone, Enrique Fernández GUIÓN: César Charlone, Enrique Fernández MÚSICA: Gabriel Casacuberta, Luciano Supervielle FOTOGRAFÍA: César Charlone REPARTO: César Troncoso, Virginia Méndez, Virginia Ruíz, Mario Silva, Nelson Lence, Henry De Leon,Jose Arce, Rosario Dos Santos, Hugo Blandamuro PRODUCTORA: Laroux Cine GÉNERO: Comedia drama