Shine

Sinopsis:

David Helfgott (Geoffrey Rush) es un hombre australiano de personalidad excéntrica, muy marcado por la estricta educación recibida por parte de su padre, Peter, obsesionado con la idea de convertir a su hijo en un gran pianista. Aunque muy pronto empezó a destacar con el piano, la autoridad de su padre, impidió que aprovechara una beca para estudiar en los Estados Unidos, proporcionada por un prestigioso músico.

Poco tiempo después, recibe otra oferta similar, esta vez por parte de Katharine Susannah Prichard, una reputada escritora, mayor que él, con quien comparte una fuerte amistad. En esta ocasión, David no está dispuesto a rehusarla y, desobedeciendo a su intolerante padre, decide huir de casa; su destino es el Royal College of Music de la ciudad inglesa de Londres, donde recibirá formación a cargo del célebre profesor, Cecil Parkes, quien reconoce en él a todo un genio pianista. Pero a pesar de este reconocimiento, David se encuentra solo, asustado e incapaz de iniciar una nueva vida.

Comentario de Steban Trivi (Rosario)

Esta fantástica y emocionante historia, nos lleva a la vida del pianista David Helfgott, quién desde muy pequeño demostraba aptitudes para el piano y su dominante padre lo explotó para ser un pianista excelente, está explotación no escatimó dureza y sometimiento y sin dudas desestabilizó emocionalmente y mentalmente a David.

Esta historia conmueve desde lo más mínimo, nunca cae en regodeos y se centra en la historia de David en sus tres etapas: niñez, adolescencia y adultez. Cada una impregnada de estructuras perfectamente delineadas y llenas de emoción.

Es una obra sobre la fuerza interior, sobre la relación padre-hijo ( en este caso destructiva), sobre lo que se puede lograr con confianza en uno mismo y sobre los golpes de la vida.

Apoyada de una dirección precisa de Scott Hicks, de impecable banda sonora y de protagonistas extraordinarios, desde el sensacional Geoffrey Rush, en una composición magistral de David; pasando por el impecable Armin Mueller Stahl, que dota al padre de unos gestos y matices espectaculares y hasta el prometedor Noah Taylor, excelente como David en la adolescencia.

Excelente film para ver y emocionarse con una historia de dolor y superación personal.

TÍTULO ORIGINAL: Shine

AÑO:  1996

DURACIÓN: 106 min.

PAÍS: Australia 

DIRECTOR: Scott Hicks

GUIÓN:  Jan Sardi

MÚSICA: David Hirschfelder

FOTOGRAFÍA: Geoffrey Simpson

REPARTO: Geoffrey Rush, Armin Mueller-Stahl, John Gielgud, Noah Taylor, Lynn Redgrave, Sonia Todd, Googie Withers, Nicholas Bell, Chris Haywood

PRODUCTORA: Pandora Cinema presenta una producción Momentum Films

GÉNERO: Drama | Música. Familia. Enfermedad. Discapacidad.

Fuentes: http://www.filmaffinity.com/es/reviews/4/810331.html 

La Calle 42

Sinopsis:

Julian Marsh (Warner Baxter), un exitoso productor de Broadway, a pesar de su delicada salud, produce un nuevo espectáculo, financiado por un hombre rico que está enamorado de la actriz principal, Dorothy Brock (Bebe Daniels), aunque ella no le corresponde. Cuando la víspera del estreno Dorothy se lesiona, es sustituida por una chica del coro. (FILMAFFINITY)

De la película y el director:

La calle 42 fue dirigida por Lloyd Bacon en 1933 y cuenta con coreografías de Busby Berkeley. El número musical con la representación de la calle 42 es célebre y está al final de la película. El guión del musical tiene como tema central la preparación de un musical que se presentará en el teatro. La historia abarca la elección del elenco, los ensayos, y las historias individuales de algunos de los personajes vinculados con ese espectáculo. En los tres primeros cuartos de la película se asiste a la preparación del musical, y al final el espectador de la película presencia tres números musicales tal como si fuera el espectador del teatro la noche del estreno.

Comentario de Miguel de Palma de Mallorca:

La Calle 42, obra culminante del coreógrafo Busby Berkeley. Con un presupuesto de 439 mil dólares, se rodó en los estudios Warner y Burbank (California). Adaptación al cine de la novela "42nd Street", de Bradford Ropers, obtuvo 2 nominaciones a los Oscar (película y sonido). El productor fue Darryl Zanuck, no acreditado. Se estrenó el 2-II-1933. En 1998 el National Film Preservation Board le otorgó el National Registry Award. 

La acción principal, ambientada en 1932, tiene lugar en unos locales de ensayos de la calle 42, en otras localizaciones de NYC y en Filadelfia. Narra la historia de un prestigioso director de musicales de Broadway, Julian Marsh (Warner Baxters), que acepta el encargo de montar un nuevo espectálulo, "Pretty Lady", con premuras de tiempo. 

La película integra dos narraciones entrelazadas: la del montaje y realización del musical y la de algunos personajes relacionados con el mismo. Reúne las figuras tópicas del género: joven inexperta e ingenua que sueña con el estrellato, rico inversionista caprichoso, director preocupado. Incluye una descripción emocionante, y desmitificadora, del mundo de los actores y actrices al otro lado de las candilejas: trabajo escaso, remuneraciones insuficientes, desesperación de los no seleccionados, en el marco de las angustias de la Depresión. Elogia el esfuerzo personal como base del éxito en la vida, el valor de la amistad desinteresada y el dolor de la amistad por interés. Son escenas destacadas los números de baile, la vista aérea de Manhattan que abre una progresiva aproximación a la calle 42 y la escena final de Julian Marsh. 

La música, de Harry Warren, es excelente. Incluye tres canciones antológicas: "42nd Street", "Shuffle Off to Buffalo" y "You're Getting to Be a Habit with Me". La fotografía, de Sol Polito, se basa en una extraordinaria agilidad de la cámara, con encuadres picados y oblícuos, travellings, zooms y barridos, que resaltan la espectacularidad y el dinamismo de los números de baile y la dureza de los ensayos. Se beneficia de una iluminación magistral y de una coreografía magnífica, de diseño innovador, abstractizante y surrealista, de gran efectividad. Hace uso de bonitos juegos ópticos. El guión combina con coherencia las historias de varios personajes. La naturalidad de los mismos y su condición de personas sencillas hacen que el espectador se identifique con sus problemas y triunfos. En la interpretación descuella Warner Baxters, en un papel de director al borde de la extenuación y en situación límite. Son encomiables las intervenciones de Bebe Daniels, Ruby Keeler (en su debú en cine) y Ginger Rogers. Se dan algunas sobreactuaciones, impuestas por el guión. La dirección construye un musical delicioso, rítmico, que desborda optimismo y alegría.

TÍTULO ORIGINAL: 42nd Street

AÑO: 1933

DURACIÓN: 89 min.

PAÍS: U.S.A

DIRECTOR: Lloyd Bacon

GUIÓN:  Rian James & James Seymour (Novela: Bradford Ropes)

MÚSICA: Canciones: Harry Warren

FOTOGRAFÍA: Sol Polito (B&W)

REPARTO:  Dick Powell, Ruby Keeler, Warner Baxter, Ginger Rogers, George Brent, Guy Kibbee, Ned Sparks, Una Merkel, Bebe Daniels, Edward J. Nugent, Allen Jenkins

PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures

PREMIOS: 1933: 2 nominaciones al Oscar: Mejor película, sonido

GÉNERO: Musical. Comedia

Fuente:http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/506484.html

Buena Vista Social Club

Sinopsis:

En 1996, el compositor, productor y guitarrista Ry Cooder viajó hasta los Estudios Egrem, en La Habana, interesado en cierta música con ritmos provenientes de África. Si bien su búsqueda resultó infructuosa, esto no le impidió conocer a un grupo de legendarios músicos cubanos, que habían pasado prácticamente al olvido, cuyas edades fluctuaban entre los 60 y 80 años. El resultado fue Buena Vista Social Club, un álbum ganador de un Grammy cuyo éxito fue aclamado internacionalmente. Filmado en 1998, este documental registra el regreso de Cooder a Cuba, ocasión en la que se reúne con el vocalista Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos con la intención de grabar un nuevo álbum. El director de cine Wim Wenders, junto a un reducido grupo de filmación, observó a los músicos en el estudio y rastreó sus vidas en La Habana. Así se dio inicio a este documental, que registra el viaje de los ancianos desde su país natal hasta la ciudad de Ámsterdam -donde ofrecieron dos conciertos-, y que finaliza en Nueva York, con una presentación en el Carnegie Hall.

De la película y el director.

Cuando vi París,Texas quede impresionado, a mi juicio una de las obras maestra del cine y cuando vi Buenas Vista Social Club tal vez lo hice con una inocente expectativa, aquella que me hizo pensar en que en este documental vería un tratamiento paulatino, suave, un documental fuera de serie, y de una manera dulce y agraz comprobé que Win Wender no buscaba quebrar el esquema del documental, aún siendo la música la escusa el tratamiento fue sencillo en sus generalidades pero en lo particular, en las profundidades del discurso descubrí aquella razón tan simple pero genial, como dijo alguien la música sin palabras y sin imágenes pueden comunicar lo más profundo del corazón y sí, al ver y escuchar aquel emblemático grupo cubano no se hace más que disfrutar el placer de la música, esa riqueza cultural, social y musical de una banda que toca desde el alma. También recuerdo que una persona me decía que día a día la música se degradaba aún más cayendo en una composición tan simple como tocar en base a dos nota, se puede debatir aquel pensamiento pero difícil creo discutir en que tanto el cine como la música sean comercializado tanto al punto de perder su esencia.

Creo que Wender buscaba poner y rescatar la génesis de la música, la esencia mas pura de esta. LA MÚSICA.

TÍTULO ORIGINAL: Buena Vista Social Club

AÑO:  1999

DURACIÓN: 100 min.

PAÍS: CUBA 

DIRECTOR: Wim Wenders

GUIÓN: Nick Gold

MÚSICA: Ry Cooder

FOTOGRAFÍA: Jörg Widmer

REPARTO: Documentary, Ry Cooder, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Elíades Ochoa, Omara Portuondo, Compay Segundo, Pío Leyva, Cachaíto

PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Alemania-Cuba-Francia; Road Movies / Kintop Pictures / Arte

Bailar en la oscuridad

Sinopsis:

Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. 

De la película y del director:

Esta película representa la cruda realidad del mundo de hoy, desde un prisma ciertamente extremo pero al fin y al cabo realista, decir que es una obra maestra y que condiciona de la mejor manera el cine, es decir que este film logra lo que muchos buscan durante toda la vida, es decir perpetuidad cinematográfica, es una película que quedará plasmada en el recuerdo de cada espectador, ya sea por su discurso o por su calidad audiovisual, cualquiera fuera la opción se debe saber que Lars von Trier es sin duda unos de los cineasta más relevante de la última década y no solo por sus premios sino por su mirada del cine, él al contrario de otros realizadores cada película es un mundo diferente por su contenido y forma, son a lo menos dos o tres films que tiene similitudes entre ellos pero de manera intencionada pero de las demás es muy poco lo que podríamos considerar su mirada cinematográfica, lo que si tiene Lars que reinventó el melodrama, el cine social y el musical de un trazo, dejo de paso las normas más absurdas del dogma, y se quedó con sus principales logros estéticos, aquellos que realzan el realismo de la narración y logra de una  manera magistral representar lo que mira y es en “Bailar en la oscuridad” que de una manera dolorosa, cruel y muy injusta nos relata la vida de una mujer que lucha por tratar a su hijo enfermo,  todo su afán en la vida, todo su esfuerzo, todo su corazón y su vida son para su hijo viva y con gran tesón, ahorra hasta el último peso para la operación. 

También es aún más interesante ver que aquella persona, aquel personaje es la cantante Björk quién aparte de actuar de una manera impresionante poniéndose a disposición de von Trier, además crea la música principal de este films lo cual deja un trabajo de excelencia. 

Pero  sin duda lo más notable del films es que converge una historia desgraciada y visceral con un relato basado en los musicales, que son siempre alegres y ficticios, podría pensarse que hay elemento satírico o que no son al azar en esto, ya que este film se convierte en un musical dramático el cual cala lo más profundo de nuestro ser.

TÍTULO ORIGINAL: Dancer in the Dark

AÑO:  2000

DURACIÓN: 140 min.

PAÍS: Dinamarca.

DIRECTOR: Lars von Trier

GUIÓN:  Lars von Trier

MÚSICA: Björk

FOTOGRAFÍA: Robby Müller

REPARTO: Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Jean-Marc Barr, Joel Grey, Udo Kier, Vincent Paterson, Cara Seymour, Vladica Kostic, Siobhan Fallon, Zeljko Ivanek, Jens Albinus

PRODUCTORA  Coproducción Dinamarca-Alemania-Holanda-Italia-EEUU-Reino Unido-Francia-Suecia-Finlandia-Islandia-Noruega; Fine Line Features / Zentropa Entertainments4 / Trust Film Svenka / Liberator Production / Film I Väst

GÉNERO: Drama - Musical. 

Fuente: http://www.filmaffinity.com

Nostalgia de la luz

Sinopsis:

Nostalgia de la Luz es un film sobre la distancia entre el cielo y la tierra, entre la luz del cosmos y los seres humanos y las misteriosas idas y vueltas que se crean entre ellos. En Chile, a tres mil metros de altura, los astrónomos venidos de todo el mundo se reúnen en el desierto de Atacama para observar las estrellas. Aquí, la transparencia del cielo permite ver hasta los confines del universo. Abajo, la sequedad del suelo preserva los restos humanos intactos para siempre: momias, exploradores, mineros, indígenas y osamentas de los prisioneros políticos de la dictadura. Mientras los astrónomos buscan la vida extra terrestre, un grupo de mujeres remueve las piedras: busca a sus familiares.

Del Director y el Documental:

Patricio Guzmán,  es uno  de los realizadores más importante e influyentes de Chile, con una extensa filmografía  que lo han puesto como un relevante documentalista en la escena internacional. Uno de sus trabajos más emblemáticos es  “La Batalla de Chile”, un documento fundamental en la  historia de Chile, como lo son también “Chile, memoria obstinada”, “Salvador Allende”. Sin duda por estos y otros trabajo a Patricio Guzmán se le considera un director político y “Nostalgias de la Luz no escapa a este rotulo, ya que dentro de sus discurso del pasado y la trascendencias llega a postular la necesidad del humano por mirar su pasado para construir un futuro, esa misma mira la cual debemos tener los chilenos de los sucesos que marcaron a la nación y es necesario meditar y reflexionar en ello.

Hablar de Nostalgias de la Luz es hablar de lo trascendental, de aquello que como humanos nos inquieta en lo más profundo, pero rara vez somos capaces de meditar, aún más cuando aquello ha fracturado muchas vidas.

tal vez se hace tedioso, se hace lento ver Nostalgias de la luz, pero creo que es parte del discurso de Guzmán. Aquella lentitud nos ayuda a meditar en todo, en lo que vemos, lo que escuchamos, es pensar y sobre todo cuando parte del discursos es hablar de aquellos que fueron silenciados por creer en algo diferente, de aquello que decidieron nadar contra la corriente.

y la imagen y el sonido se unen para entregarnos una interesante y sobrecogedora obra cinematográfica. 

Texto a continuación: www.eldinamo.cl 

El “húmedo” planeta Tierra, visto desde el espacio, aparece como una gigantesca esfera azul. Pero se advierte una mancha de color marrón: es el desierto de Atacama, que – junto con la luz – es el protagonista de este documental.

Ese rincón del globo terráqueo es el más árido y seco del mundo. De allí que su cielo es de una pureza inigualable, al punto que ha sido escogido por los astrónomos para instalar los telescopios más poderosos del mundo. Son los que aparecen en la película, como centinelas de los misterios del cosmos.

Mientras tanto, otras personas buscan aclarar otros misterios en la tierra seca y estéril. Los arqueólogos van tras los rastros de los pueblos prehispánicos, con su caminos y petroglifos. Las mujeres que perdieron a un ser querido, en cambio, buscan los restos de los “desaparecidos”, enterrados clandestinamente y luego exhumados para arrojarlos al mar o en otro sitio.

Pero el desierto es también historia del siglo pasado, primero con las salitreras y los cementerios; después con el Campo de Concentración de Chacabuco, ubicado a 100 kilómetros de Antofagasta. Como tantos otros tópicos del filme, constituye dos caras de una misma moneda: la vida de los mineros era muy similar a la de los prisioneros políticos. Sólo que estos últimos se organizaron para estudiar astronomía en las largas noches de cautiverio. Hasta que los carceleros prohibieron las reuniones, porque “estaban estudiando el cielo para fugarse guiándose por las estrellas”.

Esa luz, que viene desde un pasado muy remoto, es todo un símbolo de nuestra caducidad y de nuestra lábil permanencia en el tiempo. Porque el tiempo, contrariamente a los que sostienen que sólo el presente existe, para Guzmán es sólo pasado. Los sonidos y la luz requieren de un tiempo para llegar a nosotros. Por lo tanto, toda la información que recibimos ya es pasado. Y ese pasado es el que el hombre trata de conocer por medio de la luz, que hace desaparecer las tinieblas. Hay que pensar que la obscuridad es el estado normal de la materia inerte, pero ésta cobra vida cuando es tocada por la luz.

Fotografía y música impecables hacen de esta película una creación estética de altísimo nivel, que despertará inquietudes filosóficas en la mayoría de los espectadores. El resto disfrutará de la belleza de nuestro maltratado hogar planetario.

DIRECTOR: Patricio Guzmán.

GUIÓN: Patricio Guzmán.          

CASA PRODUCTORA: Atacama Producciones - Blinker Filmproduktion & WDR (Alemania) - Cronomedia

PRODUCCION EJECUTIVA: Verónica Rosselot.  

PRODUCCION: Meike Martens, Cristóbal Vicente.

ASISTENTE DE DIRECCION: Cristóbal Vicente.

DIRECTOR DE FOTOGRAFIA:  Katell Djian.

MONTAJE: Patricio Guzmán, Emmanuelle Joly.

MUSICA: José Miguel Tobar, Miguel Miranda.

SONIDO: Freddy González.       

RELATO O VOZ EN OFF: Patricio Guzmán.

La Spirale

Sinopsis: 

 

 La Spirale es un riguroso documental político de 140 minutos que expone los mecanismos del plan destinado a destruir, por todos los medios, el proyecto de socialismo democrático. El documental fue realizado por el sociólogo belga Armand Mattelart, quien, en 1962, es contratado por el departamento de sociología de la Universidad de Chile de Valparaíso. En esos años los estrategas del Pentágono constatan que las expediciones punitivas que Théodore Roosevelt llamaba el “gran garrote”, no son suficientes; el estancamiento militar en Vietnam les indica que en los conflictos hay otros factores, más complejos que el poder de fuego. Descubren entonces que las sociedades se dividen en clases y que puede intervenir sobre sus contradicciones. En otras palabras, en Estados Unidos se reflexiona sobre cómo los intereses de las clases poseedoras chilenas pueden ser defendidos por otras clases. La Spirale describe estos estudios, especialmente los modelos de simulación, muy en boga por esos años.

Del Documental:

Extraído del Texto: www.Naranjasdehiroshima.com

De retorno a Francia, en 1973, tras su expulsión de Chile, Mattelart se propone realizar un documental sobre la experiencia del gobierno de la Unidad Popular. Con Jacqueline Meppiel y Valérie Mayoux, seleccionan documentos de unas 20 fuentes: cinematecas; filmes del chileno Patricio Guzmán, del norteamericano Saul Landau, del sueco Jan Linqvist, y del cubano Santiago Álvarez; noticiarios de Chile Film y reportajes televisivos chilenos, incluyendo los opuestos a Allende. Consultan también los archivos de televisiones estadounidenses, europeas del norte y latinoamericanas, particularmente los de la cubana. Finalmente, François Périer aporta su voz, Jean-Claude Eloy su música, y el célebre diseñador belga Jean-Michel Folon se ofrece para crear figurines originales.

El resultado es La Spirale, un riguroso y apasionante documental político de 140 minutos que expone los mecanismos del plan destinado a destruir, por todos los medios, el proyecto de socialismo democrático. Sus siete capítulos desarrollan el crescendo dramático: el Plan, el Juego, el Frente, el Acercamiento, el Arma, el Ataque y el Golpe. “No contamos aquí la historia de la UP –explica el relator– Otras películas lo hacen y se necesitarán muchas para expresar la riqueza de esos tres años. Queremos explicar cómo la derecha chilena hizo de esos tres años una máquina infernal que comienza antes de la elección de Allende; una espiral hacia la explosión…”

Nanook, el esquimal

SINOPSIS:

Nanook junto a su familia luchan día a día por sobrevivir a las condiciones climáticas más extrema de la Región de Hudson en Canadá, soportando condiciones inhumanas casi imposibles para la vida del hombre. Nanook en medio de esa inmensidad hará todo porque su familia sobreviva.

Del Director y la película:

Robert Joseph Flaherty fue un antropólogo, explorador, ingeniero y cineasta estadounidense que dirigió y produjo el primer documental de la historia del cine, “Nanook, el esquimal” en 1922, estuvo casado con la escritora Frances H. Flaherty desde 1914 hasta su muerte en 1951. Frances trabajó en varias películas de Flaherty, e incluso recibió una nominación al Oscar al mejor guión original por Louisiana Story (1948).

Flaherty  para llegar a filmar el documental fue contratado por el multimillonario del ferrocarril canadiense, William Mackenzie, para explorar la Bahía de Hudson en Canadá, permitiendo a Flaherty un primer contacto con los esquimales. 

Nanook of the north o Nanook, el esquimal (España) es un largometraje cinematográfico, mudo, en blanco y negro, de género documental, dirigido por Robert Flaherty entre los años 1910 y 1920, Está considerado como el primer documental de la historia y trata de una obra fundamental dentro de la Historia del cine, la cual narra la vida Allakariallak  (nombre verdadero de Nanook) y su familia quienes pertenece a los “Inuit” manera que se le llaman a los distintos pueblos aborígenes de América y Groenlandia, y su forma de vida y como sobrevive al extremo clima de Hudson.

Flaherty tal vez de forma inconsciente genera el primer film con un carácter documental, anteriormente el cine era más bien un cine de registro, solo se remetía a filmar situaciones cotidianas y carecían de un punto de vista, por ello “Nanook, el esquimal” se transforma en la película considera como el primer documental, por ende Flaherty como el Padre del documental, sin duda aún hoy se discute de este título que ostenta Nanook sencillamente porque   la realidad de Flaherty trabaja la realidad incluso haciendo que los personajes actúen.

TÍTULO ORIGINAL: Nanook of the North

AÑO:  1922

DURACIÓN: 79 min.

PAÍS: U.S.A

DIRECTOR: Robert J. Flaherty

GUIÓN: Robert J. Flaherty

MÚSICA: Película muda

FOTOGRAFÍA: Robert J. Flaherty (B&W)

REPARTO: Documentary

PRODUCTORA: Revillon Frères

GÉNERO: Documental | Cine mudo

 Fuentes:http://www.blogdecine.com/criticas/nanuk-el-esquimal-el-ciudadano-kane-de-los-documentales y wikipedia.